文 | 吴洪彬
9月11日，教育部2025-2028学年面向中小学生开展的全国性竞赛活动进行公示，根据《教育部办公厅等四部门（面向中小学生的全国性竞赛活动管理办法）的通知》精神，47项竞赛涉及自然科学素养、人文综合素养、艺术体育类三个方面。有细心的老师发现，艺术体育类13个项目中涉及音乐的为零（戏剧或许沾点边）。于是，几家欢乐几家愁，有的音乐老师觉得失去了用武之地，有的音乐老师则长舒一口气，不用再受比赛焦虑的折磨了。
我赞成中小学不搞全国性的音乐类竞赛，暑假收看综艺节目《喜剧单口季》，好几个脱口秀演员说到“喜剧不是用来比的，而是要带给人欢乐”，我就非常有共鸣：什么时候开始，音乐变成了需要分高低的比赛？其实从音乐创作、表演到教育，它的核心从不是“赢过别人”，而是像呼吸一样自然地表达与共鸣。
一、音乐创作：是“我想要说”，不是“评委想听”。
展开剩余74%很多时候，我们不得不放弃原创音乐比赛，理由很简单：“为了拿奖，我把写了半年的歌改得面目全非，最后连自己都不想听了。”这恰恰戳中了创作的本质——音乐不是给评委写的答卷，而是创作者的心里话。那些为比赛创作的作品，往往要迎合“正能量主题”“复杂编曲”的标准，结果满是套路：开头必须钢琴铺垫，副歌一定要升调，歌词里总得有“梦想”“远方”——这样的歌就像批量生产的快餐，吃起来没味道，更记不住。
真正的创作从来没有标准答案。鲍勃·迪伦写《答案在风中飘》等作品时，肯定没考虑要去得诺贝尔文学奖，只是把对战争与和平的思考揉进歌词里，反而成了跨越半个世纪的经典。贝多芬创作交响曲时，也不是为了要超越哪个作曲家、哪部作品，而是乐思长期积累的自然喷发。音乐创作就像写日记，重要的是“我想要表达什么”，而不是“别人希望我表达什么”，一旦为了比赛改变初衷，创作就成了戴着镣铐跳舞。
二、音乐表演：是“分享感动”，不是“比拼技巧”。
音乐表演不是技巧的竞技场，而是情感的传声筒。很多人看音乐比赛时，总被评委引导着关注“转音是否流畅、气息是否稳定、高音是否震撼”，却忘了问自己“这首歌有没有打动我”。就像有些钢琴家弹贝多芬《第十四钢琴奏鸣曲“月光”》，手指在琴键上翻飞自如，可听起来却像机器在演奏，没有一丝贝多芬笔下的温柔与惆怅；而有些街头艺人弹同一首曲子，可能会有错音，却能让人停下脚步，想起小时候妈妈在月光下讲故事的模样。
表演的核心从来不是“比别人弹得好、唱得好”，而是“让听众感受到什么”。就像歌唱家廖昌永说的：“我唱歌时从不想要赢过谁，音乐是心灵的对话，不是擂台比武；歌声要打动人心，不是压倒对手。”当表演变成比赛，歌手会为了“风格”把抒情歌改成摇滚，钢琴家会为了“炫技”把慢板曲弹成快板，最后只剩下空洞的技巧，却丢了音乐最珍贵的人情味。
三、音乐教育：是“培养热爱”，不是“打造选手”。
不少孩子从五六岁开始学钢琴，每天要练2小时，周末还要去参加各种考级和比赛。好不容易拿到了钢琴十级证书后，却说：“我再也不想碰钢琴了，看到琴键就觉得累。”即使这样，家长还到处炫耀孩子的十级证书，认为肯定比八级的强多了。很多家长把音乐教育变成了“比赛预备班”，却忘了教育的初衷是“让孩子爱上音乐”。当教育变成比赛训练，孩子会把音乐当成负担，而不是伙伴，最后即使拿到再多奖杯，也失去了音乐带来的快乐。
真正的音乐教育，应该像给花浇水一样自然。有些音乐培训机构，从孩子入门开始就灌输“要考满级”“要拿金奖”的观念，把音乐变成了“必须完成的任务”，就像把小鸟关在笼子里训练比赛飞翔，最后小鸟虽然能飞得又快又高，却再也不会为了欣赏风景而飞翔。有些学校，只关注比赛或展演能不能拿奖，而且必须是拿一等奖，觉得只要拿了一等奖，学校的音乐教育就是最厉害的，全然不顾音乐老师和社团学生长期处于比赛的高压状态，平时的课堂教学质量却得不到保障，大部分上不了台的学生的音乐素养难以提高。中小学的音乐教育在舞台上而不在课堂上，是一种本末倒置。
音乐从来不是赛场，它不该有评委，不该有打分，更不该有输赢。在创作里，它是创作者的心里话；在表演里，它是听众与表演者的情感共鸣；在教育里，它是孩子童年的快乐玩伴。所以，下一次当你想要说某首歌（乐曲）“更好”或“更差”时，不妨先问问自己：这首歌（乐曲）对我意味着什么？它唤起了我怎样的情感？当我们放下比赛思维，才能在音乐里听到最真实的声音，感受到最纯粹的快乐。最终，我们会发现，最伟大的音乐是那些让我们突然停下脚步、让时间仿佛静止、让眼泪不知不觉滑落的旋律。那些无法被评分、无法被排名、无法被比较的瞬间，才是音乐给予人类最珍贵的礼物。
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